MUSIQUE (Composition et histoire), AUTISME, NATURE VS CULTURE: Bienvenue dans mon monde et mon porte-folio numérique!

mercredi 2 novembre 2016

LA MUSIQUE FRANÇAISE ET MOI

BABILLARD NOVEMBRE
Autisme: ce qu'est l'autisme. L'article du mois d'octobre a remporté un succès inattendu. Pour le consulter, il est maintenant dans les archives de ce site, à l'adresse suivante:
http://antoine-ouellette.blogspot.ca/2016_10_01_archive.html
Le 13 octobre dernier, je rencontrais un groupe d'étudiants autistes au Collège Montmorency (Laval). Le principal sujet de discussion fut le marché du travail. Vous pouvez lire un compte-rendu à l'adresse suivante. J'en profite pour remercier l'équipe qui m'a invité et les étudiants!
 https://autistesaucollegial.com/2016/10/27/entre-autistes-rencontre-avec-antoine-ouellette-musicien-auteur-et-autiste/#more-249
Le 23 novembre, je rencontrerai un nouveau groupe d'étudiants en Éducation spécialisée à l'Université de Sherbrooke, à l'Invitation d'Andrée Desharnais qui donne le cours. Cette rencontre n'est pas ouverte au public.
Lundi 28 novembre, je donne une conférence Autisme et Anxiété à Lyon (oui oui en France), pour Autisme Rhône Lyon Métropole, en collaboration avec Autism'harmonie. Ce sera à 19h15 au Palais du Travail, 9 Place Lazare Goujon, Villeurbanne. Prix d'entrée: 5 Euros. Il faut réserver via ce lien: valerie.coquillard@free.fr
Cette aventure en France est à suivre... Pour le moment, elle introduit mon article:

LA MUSIQUE FRANÇAISE ET MOI
1. Maurice Ravel
2. Danse macabre, ou ce que «dit» la musique
3. Le choc total
4. Temps non mesuré
5. Le sérialisme! 

Henri Dutilleux
Une musicienne de l’Orchestre symphonique de Montréal (orchestre qui n’a pas encore joué une de mes pièces…) me disait un jour, après en avoir, elle, jouée une : «Ta musique me fait beaucoup penser à celle d’Henri Dutilleux». J’ai pris cela comme un beau compliment, car Henri Dutilleux (1916-2013) est assurément une des gloires de la musique française récente. Pourtant, je connaissais très peu sa musique à l’époque – et je dois avouer ne pas la connaître beaucoup plus aujourd’hui : c’est qu’il me reste plein de belles choses à découvrir, fait dont vous ne pouvez pas savoir à quel point il me rend heureux, car que la vie doit être fade pour qui connait tout (ou croit tout connaître)! Comme Aspi, j’ai une encyclopédie musicale dans ma petite tête mais, la musique, c’est tellement vaste que je n’ai pas honte de dire n’en connaître qu’une toute petite portion. Néanmoins, ce que je connais de Monsieur Dutilleux ne me semble pas si proche de ce que je compose. Sa musique est très, très chromatique, alors que je préfère le diatonisme (au sens médiéval du terme, ou oriental); sa musique me semble aussi très axée sur la richesse harmonique, alors que la mienne l’est somme toute peu puisqu’elle se meut surtout dans la mélodie et le rythme…
Mais la musicienne avait ajouté : «Ton écriture lui ressemble dans son raffinement. Tiens par exemple, cette note-là dans ta pièce, au violoncelle. Tu demandes qu’elle soit jouée en harmonique, alors qu’un autre compositeur ne l’aurait pas fait. Mais je comprends pourquoi. Parce qu’en harmonique, elle a une couleur différente et vraiment très belle. C’est juste un détail, mais ce sont ces détails qui changent beaucoup de choses». B’en voilà : ils ne sont pas légions les musiciens à me faire de si beaux compliments! Trop d’entre eux me disent plutôt de profondes réflexions genre : «J’aime ta pièce, mais je ne la jouerai que si tu m’en fais une version écourtée, quatre minutes, au lieu de ses dix minutes» (je refuse toujours; ce genre de musicien ne me jouera jamais, mais je ne manque rien); ou encore : «Compose-moi un morceau dans le style de Chopin et je le jouerai» (Punaise! Joue Chopin : c’est encore lui qui a composé le meilleur Chopin! Qu’est-ce que j’irais faire dans ce genre de galère?!).

Alors donc : une musique raffinée. Pas trop, j’espère : il ne fait pas abuser… Mais le raffinement est une marque de la musique française. Alors, ma musique aurait-elle des atomes crochus avec la France, pays de mon lointain ancêtre René Hoûallet? Chose certaine, la musique française a joué un rôle important à certaines étapes-clés de mon parcours. 
 http://www.ouellet-te.com/biographie.html

Maurice Ravel

Maurice Ravel en 1907
J’ai déjà mentionné la découverte de Maurice Ravel lorsque j’étais petit enfant. J’avais trois ans à peine. Dans Musique autiste, je racontais ceci : « Tout petit, j’ai découvert les disques (en vinyle à l’époque) de mes parents avec beaucoup d’enthousiasme. Je pouvais passer des heures à les faire jouer, et juste les regarder tourner me transportait de bonheur. J’aimais tout particulièrement ceux d’Elvis Presley. J’écoutais la même chanson des dizaines et des dizaines de fois de suite. Dans une chanson, un court passage de quelques secondes pouvait tant m’exciter que je le refaisais jouer à rendre mes parents fous. Ils devaient mettre le holà, changer de disque ou carrément fermer l’appareil (…). Mes parents m’ont offert mon premier disque à moi : L’Enfant et les sortilèges de Maurice Ravel. Ce fut aussi mon premier vrai contact avec la musique classique. Cette musique me fascinait même si, par moments, elle m’effrayait. Mais j’aimais jusqu’à cette frayeur! Tous les jours, vraiment tous les jours le disque tournait». J’avoue avoir conservé une affection pour Ravel et préférer sa musique à celle de Claude Debussy, autre «impressionniste» (J'avoue aussi qu'écouter trop de Debussy me provoque une sorte de sentiment déprimé que je n'aime pas trop!). Musique autiste : «C’était devenu une obsession au point que ma mère s’en est inquiétée : «Trop de musique te rend nerveux : il serait bon de prendre une pause pour quelques temps». Mais la pause fut de très courte durée et les disques ont continué à tourner, tourner, tourner. Cela ne me suffisait pas. Je prenais du carton, le découpais en forme de rond de la grandeur d’un disque, je dessinais des sillons, imaginais une étiquette avec le titre d’une nouvelle chanson : je faisais tourner ce disque en m’inventant la musique. Je me suis constitué une collection de tels disques». Là, j’ai fait une grosse erreur qui me permet de donner un conseil aux parents d’enfants autistes et aux personnes autistes aussi. Un jour, lors d’une conférence, un chercheur universitaire passionné par l’art brut est venu me voir. Tout excité et plein d’espoir, il m’a demandé : «Tes disques en cartons, si tu les as conservés, je te les achète comme artéfacts!». Il était très sérieux. Malheureusement, je ne les avais plus, et j’ai donc raté une occasion de me faire quelques dollars! Alors, conservez les curieux objets créés par vos enfants autistes. On ne sait jamais. Peut-être valent-ils une petite fortune!

Danse macabre / Ce que «dit» la musique

Minuit. (C) Antoine Ouellette
J’avais douze ans et j’étais en Secondaire 2, la pire année de ma vie, celle de l’intimidation intense et quotidienne. Mais voilà, au collège nous avions à choisir entre les cours d’arts plastiques et ceux de musique. Musique autiste : «Surprise : j’ai choisi les arts plastiques! Une sorte de dissociation? Pour moi, il y avait d’un côté le monde de l’école et, de l’autre, tout le reste : ma famille, ma vie, mes intérêts. La musique relevait donc de mon domaine personnel, non de l’école. Sœur Thérèse qui enseignait les arts était une toute menue religieuse aux cheveux argentés, mais cette apparence était trompeuse car elle avait du caractère et aucun grand gars ne l’impressionnait. Cela dit, en Secondaire 2, la professeure de musique demanda à ses étudiants de réaliser une bande dessinée à partir de la Danse macabre de Camille Saint-Saëns [compositeur français]. Trouvant que je dessinais bien, Sœur Thérèse me proposa de faire ce travail et j’ai accepté. Il y avait un enregistrement de la pièce à notre disposition à la bibliothèque. Je suis allé l’écouter plusieurs fois. Fasciné par cette musique, je me la suis procurée sur disque, dans une compilation de pièces symphoniques dirigées par Leonard Bernstein. Le disque m’émerveillait, me mettait en état de transe. Je l’ai écouté et écouté sans cesse, comme je faisais enfant avec les disques de mes parents».  
Le disque culte de mon adolescence!
Curieux détail: dans cette pièce, le xylophone est supposé évoquer les ossements des squelettes qui dansent. Il faut le savoir! Moi, j'ai plutôt «vu» un chat qui gambade étonné et observe ce curieux spectacle. Cela avait un peu surpris Soeur Thérèse, et certainEs d'entre vous diront peut-être: «Ça, c'est parce que tu es autiste et que donc tu ne saisis pas les métaphores!». Mais non mais non mais non: cela ne fait que prouver que l'on peut «voir» ce que l'on veut dans la musique. La musique n'est pas un art visuel. Elle n'est même pas en elle-même un art qui «dit» quelque chose. Comme compositeur, si je veux «dire» quelque chose, je créerai une oeuvre sur un texte, mais autrement «dire» ne me préoccupe pas car ce n'est pas l'affaire de la musique. La musique ne peut pas davantage illustrer: faites écouter une pièce instrumentale à dix personnes sans leur dire quoi que ce soit à son sujet mais en leur demandant ce qu'ils «verront», et vous verrez que chacune de ces dix personnes aura vu des choses bien différentes. Notre écoute musicale est déformée par le fait que nous vivons dans une société très visuelle. Elle a été corrompue par l'omniprésence de la parole et par cette obsession de mettre en scène la musique. On dirait que comme le reste, il faut voir la musique pour l'apprécier, d'où toutes ces projections, boucanes et feux d'artifice dans les concerts - même en musique classique, il y a des concerts avec écrans géants! Juste entendre déstabilise, comme si nous n'en étions plus capable. Mais surtout, l’œuvre de Monsieur Saint-Saëns m’a littéralement fait tomber en amour avec la musique classique! Cette passion n’était partagée par aucun membre de la famille : rien dans mon environnement ne m’y prédisposait.

Camille Saint-Saëns au piano, lors d'un concert en 1913
Ce grand amour s’est évidemment manifesté en mode Asperger. Musique autiste : «Ma bande dessinée terminée, je me suis lancé dans une exploration presque compulsive de cet univers musical. J’ai découvert de quoi satisfaire ma boulimie pas plus loin qu’au petit centre commercial du coin, à la quincaillerie Pascal. Chose étonnante, on vendait là des disques à des prix dérisoires, y compris une impressionnante sélection de musique classique. Dès que j’avais ramassé quelques sous, j’allais m’acheter un disque : je l’écoutais plusieurs fois et dévorais les textes imprimées au dos de la pochette. C’est ainsi que j’ai appris à lire l’anglais. Aussi incroyable que cela puisse paraître, j’ai déniché là des symphonies de Bruckner, de la musique pour piano de Liszt, des ballets de Stravinsky, etc., juste à côté des tournevis et des pots de peinture. J’ai même acheté un disque d’œuvres électroacoustiques de Pierre Henry [autre Français], dont Le voyage me troublait et me fascinait tout particulièrement». Je lisais avidement tout ce qui me tombait sous la main concernant la musique classique.

Minuit. (C) Antoine Ouellette
«Au Secondaire, ma passion pour la musique classique prenait aussi des aspects insolites. Ainsi, je me suis fabriqué la maquette d’un orchestre symphonique. Les musiciens et le chef étaient faits avec des cure-pipes colorés, et les instruments découpés dans du carton. La scène et la disposition des pupitres étaient fidèles à la réalité. J’élaborais dans le menu détail le programme des concerts de mon orchestre. Je me jouais sur disques les œuvres ou je les imaginais, tout simplement. Je ne me souviens pas de son nom mais j’avais inventé un compositeur fictif dont les nouvelles œuvres étaient créées par l’orchestre. Pour compléter le tableau, j’avais imaginé une ville et même un pays où était basé l’orchestre, cela aussi de façon bien détaillée (…). Cet engouement aurait pu demeurer sans véritable créativité, à la manière de mes ligues sportives imaginaires mais, bien vite, un autre but s’est imposé à moi. Si j’écoutais la musique d’une façon si attentive, c’était pour comprendre comment elle était construite afin d’arriver à en composer à mon tour. Avec le maigre bagage que m’avaient donné les cours de flûte à bec en matière de théorie musicale, j’ai composé mes premières pièces : un Trio pour flûte à bec, xylophone et piano, un Concerto pour flûte à bec et petit ensemble et une Valse pour clarinette. Constatant ma nouvelle passion, mes parents m’ont offert de suivre de véritables cours de musique». Madame Aline Pigeon devint ainsi mon premier prof de musique. Tout cela à cause de la Danse macabre de Monsieur Saint-Saëns!

Le choc total

Ensemble Venance-Fortunat
Mais tout cela n’était quasi rien en comparaison de ce qui se passa quelques années plus tard et qui concerne à nouveau la musique française. Musique autiste : «À l’université, le premier cours d’histoire de la musique me réservait une surprise. Il portait sur la musique médiévale. Pour nous accueillir au local, le professeur a fait jouer un disque de l’Ensemble Venance-Fortunat intitulé Le mystère de la Résurrection. Dès les premières notes, j’ai été saisi, illuminé. Je ne connaissais pas cette musique, mais le choc dépassait largement celui de la nouveauté. La première pièce du disque était un bref organum à deux voix, une composition anonyme du XIIe siècle sur la mélodie grégorienne Benedicamus Domine. La vie est étrange. Cette pièce ne ressemblait en rien aux musiques qui me passionnaient alors [essentiellement la spectaculaire musique postromantique à commencer par Gustav Mahler], et voilà que cette minute et demi de musique provoqua en moi un bouleversement comme je n’en avais jamais connu! Les musiques que j’aimais tant jusque-là ont pâli, comme en un cataclysme instantané, irréversible et totalement imprévisible». L’Ensemble Venante-Fortunat est français, tout comme le manuscrit contenant ce Benedicamus Domine. Le compositeur de cette dernière pièce est inconnu, est-ce un homme, est-ce une femme – le «grand compositeur du XIIe siècle était d’ailleurs une femme, Sainte Hildegarde von Bingen? Mais ce musicien est tout probablement Français, et je reconnais en lui mon seul maître en matière de composition!

Ce petit organum de même que le chant grégorien [lui aussi probablement d’origine française] ont été une révélation pour la composition. Musique autiste : «Ces musiques m’ont aidé à mieux discerner ce que je cherchais et à cristalliser mon style. Cette progression s’est opérée sur quelques années. De 1982 à 1987, j’ai continué à composer comme auparavant mais avec plus d’assurance. Certains éléments du grégorien trouvaient en moi un écho profond : le diatonisme, le caractère monodique (mélodie pure, sans accompagnement), la pensée modale (je n’entre pas dans le détail), le rythme non pulsé et non mesuré, la résonance du son, etc.».

J’ai conservé une dizaine des pièces que j’ai composé avant 1987, date où j’ai vraiment trouvé ma façon. Je les ai toutes révisées, par souci de perfection formelle – qui est une autre valeur typique de la musique française. Je ne suis pas d’accord avec les compositeurs qui affirment que la meilleure manière d’améliorer une pièce est d’en composer une nouvelle qui soit meilleure. Curieusement, la pièce qui parmi elles semblent la plus simple est celle où l’esprit grégorien est le plus présent, soit la Suite celtique, pour harpe de 1983 (opus 6). Ce fut la première de mes pièces à être radicalement diatonique, comme le sont le grégorien et la polyphonie médiévale. Ainsi, la Suite est entièrement écrite sur les seules notes Ré, Mi bémol, Fa, Sol, La, Si bémol et Do. Aucune modulation, aucun chromatisme. À mille lieux de ce qui se faisait à l’époque en «musique contemporaine»! Sous ses dehors tout simples, cette pièce contenait donc un germe d’avenir capital pour moi. Mais je ne l’ai pas réalisé sur le coup. Pour en savoir davantage sur la Suite celtique, vous pouvez lire cet article :
Vous pouvez aussi télécharger gratuitement la partition :
Mes réactions m’amusent, que ce soit avec Ravel, la Danse macabre ou Benedicamus! Ce sont des réactions volcaniques aux effets durables. Alors pourquoi certaines personnes affirment-elles que les autistes n’ont pas de passion??!!

Temps non mesuré
Il est un répertoire français que j'affectionne tout particulièrement: la musique pour clavecin des 17e et 18e siècles. Adolescent, je détestais le clavecin, franchement. Mais après le choc Venance-Fortunat, mes goûts se sont comme restructurés sur de nouvelles bases. Les compositeurs post-romantiques qui m'avaient tant enthousiasmés ont subitement pâli à mes oreilles, à l'exception de Jean Sibelius. Je réécoutais Mahler dans un grand désarroi: ces symphonies auxquelles je vouais un véritable culte m'entraient maintenant par une oreille pour aussitôt me sortir par l'autre! Comment nos perceptions peuvent-elles ainsi changer, et si drastiquement? Par contre, des répertoires qui m'avaient jusqu'alors laissés indifférents ont pris une nouvelle couleur et se sont mis à me charmer profondément. Notamment, celui pour clavecin français. Cette musique est très ornée: il y a un ornement (ou «agrément») presque à chaque note, ce qui rejoint les pièces ornées du chant grégorien (les Alléluias entre autres). Mais autre chose m'interpellait: la musique française pour clavecin montre une superbe souplesse rythmique (avec ses «notes inégales»: des croches écrites qui ne doivent pas être jouées égales). Surtout, les «climats rythmiques» vont du tempo strict de la danse jusqu'au tempo totalement libre des préludes non mesurés.  
Prélude non mesuré de d'Anglebert
Ces préludes sont notés sans mesure et quasi sans valeurs rythmiques: ils doivent être joués hors pulsation, hors mesure. Comme le chant grégorien, qui n’est pas mesuré; comme les polyphonies du XIIe siècle, qui ne sont pas mesurées non plus. Ce rythme libre existe jusque dans le folklore québécois : une étude scientifique des années 1950 révélait que près de 10% des 1000 chansons colligées étaient en rythme totalement libre. Le rythme libre est parfaitement naturel! C’est au contraire le rythme stable, pulsé, binaire qui, dans son actuelle dictature, ne l’est pas… Très tôt dans mes propres pièces, j'ai écrit des passages sans mesures, qui y dialoguent avec des passages mesurés. Dans Paysage (pour quatre pianos, 1987), ces dialogues de temps mesurés et non mesurés fondent toute la pièce. J'ai poursuivis ainsi, superposant, combinant et variant les «climats rythmiques». Dans ces passages non mesurés de mes pièces, les musiciens ne jouent pas «ensemble»… tout en jouant de concert! C’est ce que j’écrivais : ma musique en est d’abord une de mélodie et de rythme. Mais comment écrire de tels rythmes non mesurés pour que la notation soit claire pour les interprètes? À 20 ans, je ne le savais pas encore, et la notation des préludes non mesurés était d'une aide limitée puisqu'il s'agit de pièces pour un seul instrument. C'est d'une autre musique que les solutions allaient venir. 


Le sérialisme!

Serge Garant
La Suite celtique n’avait pas tout résolu, car [Musique autiste] «je sentais qu’un autre élément me manquait pour créer la musique dont je rêvais. Cet élément me fut donné par l’étude de la musique contemporaine», notamment par celle du Français Pierre Boulez. «Aux sessions d’automne 1984 et d’hiver 1985, j’ai eu la chance de suivre l’enseignement du compositeur Serge Garant à travers son cours d’Analyse d’œuvres contemporaines. Je dis chance parce que Monsieur Garant devait décéder en novembre 1986, à l’âge de 57 ans. Passionné, il avait consacré sa vie à la diffusion de la musique contemporaine. À travers ses analyses expertes de partitions, j’ai découvert comment écrire des polyphonies non mesurées et comment communiquer adéquatement mes intentions aux interprètes. Ce fut pour moi un apport capital. Ma musique ne sonne pas du tout comme celle de Monsieur Garant, mais j’éprouve beaucoup de reconnaissance envers lui pour ce qu’il m’a appris».  
Hommage à Pierre Boulez suite à son décès, dans une église de Paris,
lui qui se disait totalement athée!
Voilà. Examiner et analyser les partitions de Pierre Boulez (Monsieur Garant avait mis au programme Éclat), de Stockhausen ou de lui-même, m’a donné des outils techniques pour écrire et rendre ce que j’avais en tête. Une musicienne qui regardait une de mes partitions récemment m’a parlé de ses «passages aléatoires». Non : je n’écris pas de la musique aléatoire! Mais j’utilise des notations écrites venues de la musique aléatoire. Mais encore, dans mes pièces, ces passages ne sont pas aléatoires : ils sont tout simplement en rythme (et forme) libre, hors tempo, hors pulsation.
Extrait du manuscrit de Bétulaie, pour 3 trompettes.
(C) Antoine Ouellette
Je précise un autre point : si j’ai déjà utilisé des modes contenant les 12 sons de la gamme chromatique (mais de manière diatonique : sans modulation ni chromatismes ajoutés), je n’ai pas été attiré par le dodécaphonisme et le sérialisme. En général, je trouve que le chromatisme fait sonner vieux la musique, impression qu’il m’est difficile de définir davantage. J’ai réécouté quelques pièces de Monsieur Boulez après son décès au début 2016. J’ai ressenti beaucoup de perplexité… Vous aimez vraiment sa musique? Je ne suis pas certain du tout que lui aimait la France qui lui a pourtant donné tout ce qu’il voulait – et il voulait BEAUCOUP, jusqu’à s’exiler en Allemagne et s’y faire inhumer. Pas très classe, Pierre. «Boulez, mort à Baden-Baden, crachait sur la France où « l’on n’enseigne pas la musique aux enfants ». Au moins les aura-t-on préservés de la sienne» (Marie Delarue : http://www.bvoltaire.fr/mariedelarue/pierre-boulez-inaudible-tyrannique-detestaient,230619).

Alors, je remercie la France pour tout cela qui m’a été tellement précieux!

Sources des illustrations: Wikipédia, sites commerciaux et collection personnelle.