PIANO / PARTITION GRATUITE: BONHEURS

PARTITION GRATUITE: 
BONHEURS, pour piano

Chères et chers amiEs pianistes du mon entier! Il me fait plaisir de vous offrir cette partition en PDF. 

https://dl.dropboxusercontent.com/u/28800927/Bonheurs.pdf  

Mais n'oubliez tout de même pas que cette pièce est:

(C) Antoine Ouellette.

Si elle est jouée en concert public payant, elle doit faire l'objet d'une déclaration SOCAN (SODRAC si elle est enregistrée).

Si vous désirez une impression de calibre professionnel de la partition, je vous invite à contacter le Centre de musique canadienne à Montréal:

416, rue McGill, Montréal, QC, H2Y 2G1

T: +1 514-866-3477 / F: +1 514-866-0456 / quebec@centremusique.ca

BONHEURS

Six courtes pièces pour piano, opus 2c

1) Choral d'introduction

2) Deux

3) Trois

4) Quatre

5) Cinq

6) Choral de conclusion

Pour écouter Bonheurs:
https://dl.dropboxusercontent.com/u/28800927/Bonheurs_0001.wmv
Si cela ne fonctionne pas, veuillez essayer avec un autre navigateur Internet

Source: Wikipédia

Petits miracles qui ne coûtent rien, les moments de bonheur sont comme des papillons qu’on ne peut toujours retenir. Léger et profond à la fois, peu osent aborder le bonheur en musique. J’ai composé les six pièces de Bonheurs en 1984 et 1985. La dernière composée, qui est la dernière du recueil, a été terminée le 1^er juin 1985. Je les écrivais comme ça, à temps perdu et sans l’idée de les réunir ensemble. Lorsque finalement je les ai réunies, je me suis aperçu qu’elles forment un tout d’une grande cohérence stylistique et spirituelle. La première et la dernière pièces sont toutes deux des chorals, d’où leurs titres : Choral d’introduction, Choral de conclusion. Mieux : toutes deux s’articulent sur deux tonalités, Ré majeur et Fa dièse majeur, avec un retour vers Ré majeur pour terminer. Les derniers instants du Choral de conclusion combinent des harmonies appartenant aux deux tonalités, et les notes finales, Ré et Fa# (pas de La) forment le sceau poétique de cette union. Ce n’était pas du tout calculé!

 

Dernières mesures de Bonheurs (C) Antoine Ouellette. Socan

Les quatre pièces centrales porte de drôles de titres, tout simplement Deux, Trois, Quatre et Cinq. Quatre s’inspire de deux vieilles chansons : À la claire fontaine (un classique du folklore québécois) et une autre chanson dont j’ai oublié le titre mais que ma mère me chantait lorsque j’étais tout petit enfant. Comme les Chorals, Deux s’articule sur Ré majeur et Fa dièse majeur, en un joyeux mouvement perpétuel, avec de belles harmonies. Mais contrairement aux Chorals, Deux débute en Ré majeur pour se terminer en Fa dièse majeur, sans tension, sans désir de faire étrange. L’évolution se fait naturellement, avec limpidité.

Extraits de Deux, tirée de Bonheurs (c) Antoine Ouellette. Socan

Source: Wikipédia

En fait, les quatre pièces centrales vont ainsi, débutant dans une tonalité pour se terminer dans une autre : Trois va de Sol mineur à Fa dièse majeur, Quatre évolue de Ré mineur à Do majeur, Cinq se porte de Si bémol majeur à La (mineur ou majeur, la tierce est absente). À cette époque, je composais en tonalité aérienne (c’est moi qui invente cette expression) : ma musique était tonale mais se refusait à un principe pourtant fondamentale de la musique tonale, à savoir l’affirmation de la tonalité et la création de tensions harmoniques lorsqu’on s’en éloigne. Ce refus n’avait rien de prémédité ou d’affecté : il était tout à fait spontané. Dans ma musique, la note tonale n’avait pas de poids, pas d’attraction. Du moins peu. Donc pas de gravité. Comme la musique n’était pas pour autant très chromatique ou dissonante, il n’y a pas en elle de pesanteur : c’est l’envol qui prime, une musique suspendue dans le ciel. Presque toutes les pièces que j’ai composées avant Paysage (1987) vont ainsi, et j’ai conservé cette manière par la suite selon d’autres modalités. Si vous écoutez Paysage (voir page Écouter de mon site), vous sentirez que, là, une note tonique est très affirmée, en fait la quinte La-Mi qui est pulsée. Mais curieusement, Paysage qui semble vraiment être en La (un La mineur modal, non tonal, et radicalement sans chromatisme) est en fait en Ré majeur : la note Fa dièse n’intervient qu’à la toute fin, après trente minutes de musique, et encore conjointement avec la quinte La-Mi, ce qui demeure typique de ma tonalité aérienne.

Source: Wikipédia

Vincent d’Indy enseignait que la note tonale, la tonalité principale, constitue le principe masculin d’une pièce musicale tonale. Dois-je conclure que la tonalité aérienne reflète une sorte d’ambiguïté sexuelle dans ma personne? Dans Musique autiste, je discute de cette question et je confesse ce qui en fut pour moi, du moins avant de recevoir le diagnostic d’autisme. Je citais aussi Pierre Ferrari qui écrit des adolescents autistes que leur «perception de l’identité sexuelle est nettement établie mais souvent mieux ancrée et mieux affirmée chez les filles que chez les garçons». Chez ces derniers, «le sentiment d’identité sexuelle est souvent moins solide et source, parfois, d’une certaine ambiguïté traduite par des comportements d’allure féminine»[i]. J’ajoutais : «Des garçons Aspergers qui s’ignorent peuvent en venir à penser à tort qu’ils sont homosexuels ou, plus radicalement encore, désirer changer de sexe». C’est une des raisons pour lesquelles, tout compte fait, il vaut de recevoir le diagnostic : non pour se voir sous un angle médical, mais simplement pour mieux se comprendre.

Je crois donc que la tonalité aérienne est un signe de l’esprit autistique dans ma musique! La chose m’est confirmée par le fait qu’à l’époque, je composais littéralement en cachette, sans le dire à personne, sans chercher à faire jouer mes pièces. Sans influences fortes ou cours de composition non plus, donc avec les ressources de l’esprit et de la créativité autistiques, cela d’une façon assez préservée, pure même.

Source: Wikipédia

Mais la tonalité aérienne est aussi l’image d’un esprit blessé, profondément, par l’intimidation à l’école, et qui s’envole en toute liberté dans le jardin secret de la musique. Là il pouvait le faire, alors qu’il n’avait pu s’exprimer auprès de ses dits pairs. Je ne crois pas que c’est un hasard si la pièce la plus complexe que j’ai écrite en tonalité aérienne ces années-là fut L’Esprit envoûteur (dont vous pouvez consulter la partition d’orchestre :   ). D’un côté, la légende amérindienne qui l’a inspirée raconte l’histoire d’un homme différent mis au ban de sa communauté et qui, transformé par la musique d’une flûte magique, s’envole hors de son monde. D’un autre côté, c’est dans cette œuvre que l’idée de tonalité aérienne est la plus radicale : oui, les trente minutes de L’Esprit envoûteur s’articulent sur une et une seule tonalité principale; mais cette tonalité n’est jamais affirmée, jamais. Toujours elle reste en filigrane, comme en coulisse, ailleurs. Et pourtant, c’est bien elle qui agit et confère à L’Esprit sa cohérence interne! Je vous avais lancé le défi de me dire quelle est cette tonalité de L’Esprit envoûteur, avec justification : personne à ce jour n’a réussi à relever le défi. Personne! Alors, je le relance.

Bonheurs semble une œuvre toute simple. C’est assez facile à jouer (rien du gros piano à la Rachmaninov ici), c’est d’un effet très poétique à écouter, c’est court (environ 12 minutes au total). Fut-ce pour autant facile à composer? Je n’ai pas souvenir de difficultés majeures. Sauf que polir l’œuvre a été long. En 1992, j’avais révisé l’ensemble; à l’été 2013, j’y suis retourné pour corriger quelques coquilles et, surtout, pour revoir les dynamiques, afin de rendre celles-ci un peu moins démonstratives ici ou là. Les seuls fortissimo (ff) se trouvent dans Trois et, tels des explosions suivies de cris d’oiseaux, dans Choral de conclusion. Pour le reste, je désire que Bonheurs semble simple!

 

Extrait de Trois, où se trouvent quelques-uns des rares ff de Bonheurs (C) Antoine Ouellette. Socan.

Mais est-ce vraiment une œuvre si simple? Je ne crois pas que bien maîtriser la tonalité aérienne soit facile (L’Esprit envoûteur a été très difficile à composer!), mais surtout il y a dans ces pièces, composées au départ sans projet de les réunir, une cohérence interne déroutante parce que forte autant que spontanée. Je vous ai mentionné le parcours tonal des six pièces. Je le résume : Choral d’introduction est en ré; Deux va de ré majeur à fa dièse majeur; Trois, de sol mineur à fa dièse majeur; Quatre, de ré mineur à do majeur; Cinq, de si bémol majeur à la. Or, comment commence le Choral de conclusion? Par une phrase lente qui fait précisément entendre ces notes (extrait ci-dessous), non seulement dans l’ordre mais dans le groupement : ré, ré-fa dièse, sol-fa dièse, ré-do, si bémol-la! Là non plus, ce n’était pas calculé : cela s’est mis en place ainsi, tout naturellement. 

 

Début du Choral de conclusion. Extrait de Bonheurs (C) Antoine Ouellette, Socan.

En regroupant ces six pièces, j’avais dû ressentir que non seulement elles vont bien ensemble mais qu’elles créent un monde, qu’il y a en elles et entre elles un réseau de correspondances mystérieuses dont une partie m’échappe peut-être encore.

 

Passage de Cinq présentant une certaine correspondance avec l'allure de Deux. Extrait de Bonheurs      (C) Antoine Ouellette. Socan.

---

[i] Ferrari, P. (2007). L’autisme infantile. Paris : Presses universitaires de France, collection Que sais-je?, #3508; p. 84.

*     *     *

«Hé! Dépêche-toi d'aller chercher ça sur le web! C'est sur que cela va disparaître bientôt!». J'ai vu cette phrase sur un réseau social et il est question de la partition de Auberivière, pièce pour flûte seule que j'offre gratuitement sur mon site. Et non, ce n'est pas disparu, et cela ne disparaîtra pas non plus. On m'a demandé pourquoi je donnais de mes pièces, et gratuitement de surcroît. Tout d'abord, je les donne à moitié: si vous voulez une belle édition, sur du papier professionnel pour la musique, vous devez vous adresser au Centre de musique canadienne... Autrement, tout ce que je demande (que j'exige!) est de bien me donner crédit pour la composition et de verser les (maigres) redevances SOCAN lorsqu'on joue une de mes pièces en concert. Marché conclu?

Altdorfer: Adoration des mages (c.1530)

Alors pourquoi? Je pourrais réfléchir avec vous sur la situation actuelle de l'édition musicale, sur les redevances pour partitions éditées vendues, sur la culture de gratuité qui est en train de s'imposer pour la musique via Internet, etc. Mais ce serait tourner autour du pot. Vous voulez ma réponse authentique? La voici: «À qui l'on a beaucoup donné, on demandera beaucoup; à qui l'on a beaucoup confié, on réclamera davantage». C'est tiré de l'Évangile selon saint Luc (chapitre 12), et c'est une parole du Christ Jésus. Voilà. J'ai beaucoup reçu, je donne en retour. Il s'agit donc pour moi d'une manière de rendre au prochain. 

Je vous souhaite des très joyeuses fêtes: un Saint Noël de Paix plus que de bébelles, et une année de joie intérieure pour 2014. Avec toutes mes amitiés,

Antoine

HAYDN / LE PROJET HAYDN

BABILLARD NOVEMBRE 2013
Mise à jour: 24 novembre

Grand merci aux gens d'AutismOntario et au public de Welland et Toronto / Mississauga pour l'accueil que vous m'avez fait lors de mon récent passage chez vous. Ce fut très apprécié, sincèrement. J'ai appris beaucoup de choses, notamment sur la situation de l'autisme en Ontario, et que ABA là-bas n'est pas ABA comme au Québec... 
Les gens qui me connaissent savent à quel point j'aime prendre l'avion (ma seule phobie, loin de ma demi-phobie, celle des chiens) Surtout lorsque comme lundi dernier, l'avion à hélice se pose sur une toute petite île (Aéroport Billy-Bishop) en donnant l'impression de plutôt plonger dans l'eau. Assez spectaculaire! Mais une chose que je trouve merveilleuse en avion, c'est la beauté des nuages que l'on survole, avec leurs formes étonnantes. Voici donc une photo prise à bord de l'avion vers Toronto. On dirait qu'il y a le lit d'une rivière au milieu des nuages. Et non, l'hélice n'était pas arrêtée: elle tournait. Illusion d'optique, ouf!


INTRODUCTION AU PROJET HAYDN
MON PRÉFÉRÉ, TOUTES CATÉGORIES!

Source: Wikipédia

Il y a quelques temps, j’ai rencontré une ancienne collègue d’études en musique et, au cours de notre conversation, je lui ai confié que mon compositeur préféré est l’Autrichien Joseph Haydn (1732-1809), tout styles musicaux confondus. Surprise, elle a dit : «Oh, c’est rare, ça!». Rare? Peut-être. Je n’en ai aucune idée. Un des avantages de l’esprit autistique est l’authenticité : si jamais peu de gens partagent mon admiration pour Haydn, cela ne me concerne absolument pas. Moi, j’aime, et les goûts des autres, les modes de l’heure n’ont aucune emprise sur ce que je pense.

Alors, oui, j’aime la musique de Monsieur Haydn. Pour dire vrai, il n’existerait que cette musique que je serais comblé : rien ne me manquerait! Rassurez-vous : je suis heureux qu’il existe d’autres musiques et il en est que j’aime (presque) autant que celle de Haydn. Mais celle-là m’est toute spéciale. Et mon grand rêve de musicologues serait de retrouver les manuscrits des sept Sonates pour piano disparues de Haydn (les Sonates #21 à 27). Alors, je vais vous partager mon admiration pour Haydn, dans une petite série d’articles que j’écrirai irrégulièrement. Je vais vous introduire et vous guider dans cet univers immense, car c’est fou combien Haydn, et d’autres compositeurs du 18^e siècle, a travaillé fort! Plusieurs centaines d’œuvres. Imaginez! Juste les pièces composées pour ses deux séjours à Londres dans les années 1790 (Haydn avait alors autour de 60 ans), juste celles-là représentent 768 pages de musique bien tassées, de «top qualité»! Et Haydn écrivait tout : il n’avait pas une armée d’arrangeurs et d’orchestrateurs à sa disposition… Un univers vertigineux.

Dans les prochains articles de ce cycle, je vous introduirai donc aux différentes «périodes» de l’œuvre de Haydn. Peut-être finirez-vous par l’aimer à votre tour? Mais avant les «périodes», le prochain article vous présentera succinctement les grands «massifs» de l’œuvre de Haydn, les genres qu’il a cultivé durant toute sa carrière.
Pour vous amuser, voici ci-contre l'allure qu'aurait Haydn en habits modernes, selon...
 http://www.sequenza21.com/forum/category/biography/
Ne lui trouvez-vous pas une ressemblance avec le politicien québécois Gilles Duceppe dont la photo est ci-bas?

Gilles Duceppe (Wikipédia)

J’ai donc remarqué que dans le merveilleux monde de la musique classique aujourd’hui, la mention du nom de Haydn crée un certain malaise. On lui reconnaît plein de choses, du génie, de la fécondité, etc., mais… Il y a un blocage qui m’est incompréhensible. S’il m’arrive d’entendre certains interprètes ou musicologues dire qu’ils «aiment» Haydn, c’est souvent pour me rendre compte qu’ils ne l’aiment pas vraiment ni ne le comprennent. Voici quatre signes qui démentent le dit amour :

1) Ces gens se réfèrent systématiquement à ses «dernières œuvres», habituellement les seules qu’ils connaissent. C’est vrai qu’il y a une étrange fixation en musique classique sur les «dernières œuvres» des compositeurs. Érik Satie, «SatiÉrik», à qui l’on demandait ce sur quoi il travaillait en ce moment répondait : «Mon cher, je travaille sur mes derniers quatuors!» (c’était de la moquerie, je précise)… Mais Haydn était Haydn dès ses premières œuvres et plusieurs d’entre elles n’ont absolument rien à envier à ses dernières.

2) Ces gens qui aiment tant Haydn s’obstinent à le jouer en début de concert, et souvent pour se réchauffer avant de passer aux «vraies affaires». Si vous l’aimez, consacrez-lui tout un concert ou, du moins, une deuxième moitié de concert. Cessez d’en faire un apéro!
3) Ces gens louent l’humour musical de Haydn. À les écouter, Haydn était un gamin qui se tordait de rire en écrivant ses pièces. «Ah, quel esprit a-t-il, ma chère! Quel esprit!». Alors, il arrive qu'on le représente comme un homme taquin, comme sur cette affiche de concert de l'ensemble Hastings Choristers! Juste pour rappel : de son vivant, c’était ses mouvements lents qui étaient le plus souvent bissés. Alors, que pensez-vous de ses mouvements lents? Silence radio. Oui, il y a de l’esprit dans cette musique, mais il est ridicule de la réduire à ce seul aspect.

http://www.midcoast.com.au/~choristers/Haydn%20True.htm

l

4) Finalement, ces gens font semblant de s’extasier devant le génie innovateur et prophétique de Haydn, relevant ici ou là un trait qui «annonce» Beethoven ou tel Romantique. Le problème est justement là : Haydn aurait annoncé, mais juste annoncé. On peut vite passer à ce qu’il a annoncé. Ces gens font de Beethoven un héritier de Haydn – lire : Beethoven a dépassé Haydn. C’est faux : s’il faut en choisir un, son véritable héritier spirituel n’est ni Beethoven ni tel de ses rares élèves (comme Pleyel), mais bien Franz Schubert. Et oui.

Quelle jolie bande de Tartuffe et de Précieuses Ridicules! Moi, j’aime vraiment, y compris les premières œuvres et les mouvements lents. À nouveau, je ne ressens aucun manque avec Haydn. À son écoute, j’oublie le reste tant il me comble. Pour vrai. Ai-je des goûts étranges? Bien sur! Mais ce sont mes goûts, et il m’arrive de rencontrer des personnes qui, elles aussi, adorent cette musique. Les fans de Haydn forment probablement une drôle de confrérie. Ceux que j’ai eu l’occasion de rencontrer sont des gens originaux et peu conventionnels, comme ce savant professeur de mathématiques ou cet adepte de la musique country pour qui Haydn est une exception heureuse car autrement : «La musique classique? C’est pour les prétentieux et les snobs!». Pour moi aussi Haydn est une exception : c’est le seul musicien dont le portrait orne mon studio de musique. Sa présence, son esprit m’inspirent et, pourtant, je n’ai aucunement subi son influence dans ma propre musique, car je ne compose pas en mode néoclassique.

ENTRACTE MUSICAL

Comme première suggestion d'écoute, je vous propose ce vidéo sur YouTube. Il s'agit du Concerto pour trompette en mi bémol majeur, interprété par Winton Marsalis (oui, le trompettiste de jazz) avec les Boston Pops dirigés par John Williams (oui, le compositeur de musique de films). 
http://www.youtube.com/watch?v=vpFaWJQHwbA
Ce Concerto célèbre date de 1796. Conçu pour une trompette expérimentale munie de clés, il témoigne du grand attrait de Haydn pour les sonorités nouvelles. Cette trompette à clé rendait possible l'exécution de mélodie chantante avec du chromatisme, soit un tout nouveau type de mélodies pour cet instrument habituellement traité de façon militaire. Le second mouvement en témoigne bien: le public a dû être surpris par l'expressivité inédite de la trompette. Le Finale, lui, montre la trompette sous un jour taquin, coquin même! En composant ce concerto, Haydn était en avance sur son temps: après quelques rares exécutions de son vivant, l'oeuvre n'est devenue populaire qu'à partir des années 1950...

MAIS POURQUOI HAYDN? POURQUOI?!

Mon amie m’a donc posé cette question : «Pourquoi lui, et non Bach, Mozart ou Beethoven?». Pris de court, je n’ai répondu : «Parce que». D’une certaine façon, c’est la meilleure réponse! Mais elle est tout de même un peu courte.

Je le place au-dessus de Mozart et bien au-dessus de Beethoven, les autres grands musiciens du style classique historique (ce style peut être situé approximativement entre 1740 et 1830, qui chevauche la fin du Baroque et les débuts du Romantisme). Ceux-là ont eu des vies ponctuées d’événements spectaculaires qui les fait paraître «plus grands que nature» auprès d’un public friand de sensationnalisme. Rien de tel chez Haydn, sinon une vie consacrée à la musique. Pour l’apprécier, il faut aimer davantage la musique que la mythologie – cela semble peu fréquent et je crois que c’est là un des gros problèmes : pas d’enfance à être exhibé dans les cours européennes, pas de mystérieux commanditaire pour un Requiem, pas de rumeurs d’assassinat… Pour sa biographie, je vous réfère à l’article en français de Wikipédia :

http://fr.wikipedia.org/wiki/Haydn

Mais avec un bémol au sujet de la section «Vie privée». Du potinage peu fondé! On parle notamment des «quelques aventures» qu’il aurait eues avec des femmes, car son mariage n’a pas été très heureux. C’est confondre ses amitiés féminines avec des «maîtresses». Haydn a effectivement eu plusieurs amies femmes, et il a composé de nombreuses œuvres pour et avec piano à l’intention de femmes. Mais aucune de ces femmes n’a été sa «maîtresse». L’amitié homme-femme semble souvent suspecte, surtout dans le monde neurotypique... Le doute ne subsiste que pour la chanteuse Luigia Polzelli et, si quelque chose a effectivement eu lieu, ce fut de courte durée. Côté biographie en français, ce livre de Marc Vignal est le plus exhaustif (Fayard) et demeure la référence.

En passant, Haydn était-il autiste de type Asperger? Difficile à dire mais un certain nombre d’éléments me font croire que c’est probable, que ce soit la nature des liens qu’il avait avec sa famille, son intérêt quasi exclusif pour un domaine (la musique), sa capacité de poursuivre son idée en dépit des difficultés, sa sédentarité (alors qu’il aurait pu viser des postes plus importants), etc. Les qualités émotionnelles de sa musique aussi me le font croire : j’y reviendrai plus loin. Sans parler du sens de l'humour particulier de cet homme, un humour décalé, pince-sans-rire et un peu déconcertant.  On ne sait pas si cette anecdote est vraie, mais j'en suis persuadé et je la trouve très Asperger. À Londres dans les années 1790, Monsieur Howell tenait un magasin de musique. Ce jour-là, un visiteur regarde les partitions disponibles et un peu exaspéré, s'adresse à Monsieur Howell:
- J'aimerais voir des pièces pour piano récemment composées et éditées...
- J'ai celles-là...
- Non vraiment, elles ne me plaisent pas.
- Oh! Mais ne voyez-vous pas qu'elles sont de Haydn?!
- Oui j'ai vu. Mais j'ose espérer que vous avez quelque chose de mieux à me montrer.
Offusqué, Monsieur Howell dit:
- De mieux ?!! Je ne veux même pas servir un homme affublé de vos goûts!
Il tourne dos à son client qui lui dit alors:
- Au fait, je me présente: Joseph Haydn...
Il paraît que les deux hommes sont devenus très bons amis.

Timbre soviétique (Wikipédia)

Plusieurs apprentis musiciens traumatisés par l’étude du piano classique et qui ont joué Haydn dans ce contexte le détestent en l’assimilant au «respect des règles», au style classique dans ce qu’il a de plus «formel» et conventionnel. C’est totalement faux! Je n’ai heureusement pas subi ce biais qui tient de la diffamation et de la distorsion. Lorsque j’aborde le style classique historique dans mes cours, je dois déconstruire ce préjugé en montrant à quel point Haydn cultivait la liberté des formes dans sa musique. Je le démontre à l’aide de tableaux. Par exemple, il est à peu près impossible de dire à l’avance quelle sera la coupe formelle d’un Trio pour piano, violon et violoncelle de Haydn tant varient de l’un à l’autre (et il y en a 39 en tout) le nombre des mouvements ou leur succession. Les étudiants sont alors ravis ou déconcertés. Autre exemple et loin d’être une exception : le thème initial du premier mouvement du Quatuor à cordes en ré majeur, opus 20 #4, est fait de 5 phrases de 6 mesures, soit un thème de 30 mesures. Rien à voir donc avec les carrures conventionnelles de 4 ou 8 mesures. Pouvait-on être moins conventionnel en 1772?! Haydn a mis en valeur tout le potentiel de la forme sonate typique du style de son temps mais sans jamais la réduire à un procédé mécanique ou conventionnel : bien au contraire, il la renouvelle sans cesse, comme si son imagination musicale n’avait aucune limite. Aucun autre compositeur n’a fait preuve d’autant de fantaisie pour subvertir les codes établis et les attentes du public, cela toujours d’une façon artistiquement pertinente et accomplie.

En vérité, Haydn est beaucoup plus imprévisible que Mozart et bien moins formel que Beethoven. D’ailleurs, plusieurs «audaces» attribuées à Beethoven sont le fait de Haydn. On se pâme parce que Beethoven a mis le Scherzo en deuxième place et le mouvement lent en troisième place dans une symphonie : «Beethoven libère la forme!». Quelle niaiserie : Haydn avait fait cela cinq fois, et plus souvent encore dans ses quatuors à cordes! Je pourrais multiplier les exemples.

UN MUSICIEN DE SYNTHÈSE

Une locomotive Haydn en Hongrie! (Wikipédia)

La musique de Haydn résume son époque. Elle se ressent de la fin du Baroque comme du début du 19e siècle, et intègre tous les courants du 18^e siècle : style galant, musique de la sensibilité, Sturm und Drang, et jusqu’aux musiques hymniques ou belliqueuses de l’époque marquée par la Révolution française. C’est Haydn qui a fait de la symphonie un genre majeur en en voyant lucidement les immenses possibilités. C’est lui qui a développé, sinon même véritablement inventé le quatuor à cordes, avec son collègue italien Luigi Boccherini; mais ses quatuors sont infiniment plus variés que ceux de Boccherini. Haydn a composé pour nombre d’instruments nouveaux de son temps : piano, clarinette, baryton à cordes, lyre organisée, horloge à flûtes, trompette chromatique, etc. L’instrumentation de ses symphonies varie d’un groupe à l’autre, voire de l’une à l’autre (présence ou non du couple trompettes-timbales, des clarinettes, des cors anglais, de la flûte, etc.; utilisation de deux ou quatre cors, ou encore, chose sans précédent, de quatre percussionnistes dans la Symphonie #100, etc.); tant et si bien que le massif de ses symphonies constitue comme un arc-en-ciel extraordinaire de timbres instrumentaux, sans parler de la diversité des formes ou des tonalités qui s’y trouve aussi. Avant Beethoven, il ajoute piccolo, contrebasson et trombones dans son orchestre. 

La musique populaire:
une source importante d'inspiration chez Haydn.
Le violoneux de Watteau (Wikipédia)

Hypersophistiquée ou agressivement populaire, sa musique couvre une gamme d’atmosphères et de techniques stupéfiante, depuis des fugues magistrales (la fugue euphorisante et inépuisable du Credo de la Messe Sainte Cécile, les fugues étranges et chuchotées des Quatuors à cordes opus 20, la fugue ivre et presque bitonale de l’Automne des Saisons, etc.) jusqu’à des pièces inspirées du folklore (autrichien, hongrois, tzigane, écossais, etc.). L’humour musical de Haydn est loué aujourd’hui, mais on oublie souvent sa profondeur émotionnelle, sans sensiblerie. Ainsi, la musique de Haydn possède une poétique particulière, qui n’est celle d’aucune autre et qui, donc, doit être appréciée en elle-même, pour elle-même. Charles Rosen la décrit excellemment : «un type d’émotion absolument personnel, que nul autre compositeur, pas même Mozart, ne put retrouver : une atmosphère d’extase dépourvue de toute sensualité» (Le style classique. Paris : Gallimard; pp. 449-450).

J’avoue être très réceptif à ce type d’émotion – et je crois qu’elle reflète un esprit Asperger. Mais celle-ci n’a pas de rapport avec celle de la musique romantique – sur ce plan, Haydn n’a pas annoncé le Romantisme. Peu de pathos, de dolorisme, de tendance à l’autobiographie; peu d'intérêt pour l'influence littéraire (trait typique du Romantisme). Lorsque Haydn fait mine de flirter avec cela, il pose un geste de rupture surprise. Dans le mouvement lent de la Symphonie #93, il brise délibérément la tentation de sa propre musique à sentimentaliser en faisant brusquement entendre une note grave, forte, au basson! Dès lors, le climat change et s’éclaire. Il n’y a pas du ruminations autobiographiques ou d’épanchements hollywoodiens dans cette musique mais, oui, il y a de l’émotion chez Haydn, qui est comme épurée, jamais écrasante; la peine, tamisée, est proche du sourire, et vice-versa, comme Mozart l’avait observé. Haydn dépeint la tristesse en mode majeur dans le mouvement lent du Quatuor à cordes opus 76 #5, comme en une complainte celtique : les auditeurs étaient bouleversés mais les Romantiques n’y comprendront absolument rien… 

ENTRACTE MUSICAL

Haydn poète: le Quatuor à cordes en ré majeur, opus 20 #4. Sur ce beau vidéo noir et blanc: le Quatuor Badke.
http://www.youtube.com/watch?v=CyGMpDeHsjg
Pour ceux et celles qui savent lire la musique, vous pouvez télécharger gratuitement la partition de cette oeuvre exceptionnelle:
http://erato.uvt.nl/files/imglnks/usimg/9/9c/IMSLP05271-Haydn_-_Op._20__No._4.pdf

J'ai parlé plus haut de l'originalité extrême du premier thème de ce Quatuor. Mais il y a plus: ce premier mouvement est marqué Allegro di molto. Il est donc dans un tempo très rapide. Pourtant, il débute doucement, à mi-voix, presque mystérieusement, en donnant l'impression d'un tempo très modéré. C'est que Haydn y joue avec le temps: il utilise des valeurs longues (blanches pointées, blanches, noires), les valeurs brèves n'interviennent que plus tard en révélant alors seulement le vrai tempo de la pièce. Schubert procédera ainsi dans le premier mouvement de son Quintette avec deux violoncelles écrit quelques 50 ans plus tard! Le second mouvement, en ré mineur, présente un thème suivi de quatre variations donnant successivement la vedette aux quatre instruments du quatuor. Mais le dernier quart du mouvement s'échappe de cette forme stricte: le thème est presque perdu de vue et la musique s'adonne à une rêverie en toute liberté. De toute beauté! Le Menuet qui suit semble plus carré, mais Haydn s'amuse à déplacer constamment les accents, si bien que la mesure perd pied. La section centrale met le violoncelle au premier plan: non, dans ses Quatuors, Haydn ne néglige pas le violoncelle! Le Finale enjoué est le seul des quatre mouvements qui peut être rapproché de l'image conventionnelle du «Haydn facétieux». Mais ce sont les deux premiers mouvements de l'oeuvre qui lui donnent son ton, par leur longue durée et leur complexité émotionnelle. 

UN MONDE IMMENSE

Pièce de monnaie, Autriche (Wikipédia

Je l’ai évoqué précédemment : la musique de Haydn est un continent qui défie l’imagination. Il y a l’immensité de la quantité. En termes de disques, l’intégrale de ses symphonies en nécessite 33, celle de ses quatuors à cordes 24, ses Trios avec baryton 20, ses opéras une vingtaine, ses arrangements de chansons écossaises et galloises 18 (des bijoux!), sa musique pour piano 15, ses Trios avec piano 10, alouette! Tout n’a pas encore été enregistré sur disque aujourd’hui. Mais à cette quantité s’ajoute une qualité artisanale constante, une perfection d’écriture totale même dans les œuvres apparemment «secondaires». Cette musique est tellement parfaite qu’elle donne l’impression trompeuse d’être évidente et facile à jouer. Souvent, on la prend tellement à la légère qu’on y met peu de temps de répétition. On passe alors complètement à côté de sa richesse, sans lui rendre justice et en en donnant des lectures approximatives suscitant l’ennui du public. Mais entre les mains d’interprètes engagés envers elle, son miracle se matérialise et plusieurs s’étonnent, émerveillés : «Haydn est vraiment un maître génial»!

Mettez tout cela ensemble et trouvez-moi la raison de la condescendance existant à l’endroit de Haydn. Si tout ce qu’il a fait, en qualité comme en quantité, n’est pas suffisant pour que justice lui soit rendue, alors la justice n’existe tout simplement pas.


Programme pour la première de l'oratorio
La Création, à Vienne en mars 1799 (Wikipédia)

Y a-t-il donc des faiblesses sur le continent Haydn? Ses opéras ne seraient pasdu même niveau que ceux de Mozart. C’est vrai, je l’admets. Des opéras comme Il Mondo della Luna, La fedeltà premiata, La Vera Costanza ou Orlando Paladino (de Haydn) sont grandement supérieurs à La finta giardiniera, Il ré pastore ou même à La clemenza di Tito (de Mozart)! Cela dit, oui, la qualité moyenne des opéras de Mozart dépasse celle de son époque, et ses concertos sont absolument sans équivalent – à mon avis, Mozart a été le meilleur compositeur de concertos de tous les temps, rien de moins. On fera différent mais jamais mieux.

En terminant, je corrige deux idées-reçues qui me sont insupportables. 
1) Plusieurs louent la musique de Mozart pour sa transparence en faisait de cette caractéristique quelque chose qui lui serait particulier. Cela provient peut-être du culte romantique entourant le fait que Mozart a été un enfant prodige : la «transparence» de sa musique refléterait la pureté et l’innocence de son âme d’enfant. C’est cute mais tout faux! La transparence est une qualité non d’un musicien mais de tout le style classique historique : c’est un trait d’époque. La musique de Haydn possède la même transparence, celle de Luigi Boccherini aussi, bref elle est commune aux musiciens de ce temps. Ce n’est qu’avec l’effervescence née de la Révolution française que le style classique historique a pris une couleur un peu plus opaque, comme chez Beethoven mais aussi chez Luigi Cherubini ou Muzio Clementi; cette tendance se renforcera avec le Romantisme et le 19^e siècle. 
2) Je l'ai déjà évoqué mais j'y reviens quelques lignes: plusieurs laissent croire que Beethoven brisera les «règles», évidemment sclérosées, qu'utilisait Haydn. C'est de la diffamation! Haydn a très, très peu parlé de «règles» de composition. Lorsque quelqu'un lui a demandé quelles étaient les siennes, il n'a mentionné que des règles d'harmonies, et encore pour préciser qu'il lui arrivait souvent de prendre des licences (des libertés). On souligne à grand trait l'esprit «révolutionnaire» de Beethoven parce qu'il va mettre le scherzo en deuxième place des mouvements de sa Symphonie #9: oh, la grosse audace! Haydn avait fait cela cinq fois dans ses symphonies et bien davantage dans ses quatuors à cordes. Le Quatuor opus 18 #6 de Beethoven fait pâmer les musicologues parce que le dernier mouvement est précédé d'une introduction lente. La grosse audace encore! Haydn avait fait de même dans son Quatuor opus 54 #2 et même mieux: après l'introduction lente et une partie vive, son mouvement final se termine lent et doucement plutôt que rapide et fort! Je vous l'écrivais: Haydn est très libre dans ses formes, très imprévisible aussi. Si contrairement à d'autres à commencer par Beethoven, jamais Haydn ne donne l'impression de «casser» quoi que ce soit, c'est parce que, pour lui, il n'y a rien du tout à casser, sa fantaisie, son imaginaire étant la source première de sa musique.

 PROCHAIN CHAPITRE DE CE PROJET HAYDN: LES MASSIFS